« Назад
ПОЛЫХАЛА ГРАЖДАНСКАЯ ВОЙНА…
Но жизнь с любовью никто не отменял
– Неужели у них такие проблемы с современными постановками? Видимо, совсем уж нечего ставить, раз взялись за отжившую своё "Свадьбу в Малиновке"… – Подобным мнениям всё же было место накануне премьеры этого спектакля в Белорусском музыкальном театре.
Но тот, кто хорошо знаком с деятельностью этого коллектива, знает, что современных постановок, и особенно мюзиклов, в его творческом багаже более чем достаточно. Однако только из них не может формироваться репертуарная афиша академического музыкального театра – в ней достойное место должно отводиться классике жанра, а также советской оперетте и музыкальной комедии, которые уже тоже стали классикой (из таковых в репертуаре театра в последние годы был только один спектакль – "Бабий бунт").
Но так ли проста и незамысловата эта "Свадьба в Малиновке", знатоками которой себя считают очень многие – в основном, благодаря одноимённому кинофильму. Оказывается, история создания этого произведения очень даже неоднозначна и в наши дни трактуется по-разному, а его форма, содержание и смысловое наполнение претерпели очень существенные изменения ещё на стадии становления. Имели они место и в последующем и не прекращаются до сегодняшнего дня.
Оперетта "Свадьба в Малиновке" (музыкальной комедией её стали называть позднее) была поставлена в 1937 году одновременно в двух театрах оперетты – Харьковском и Московском – по пьесе одного и того же драматурга но с музыкой разных композиторов. А началась эта история годом раньше, когда всем театрам страны, в том числе и музыкальным, было велено поставить к грядущему 20-летию Октябрьской революции что-нибудь бравурно-патриотическое, прославляющее победу большевиков и Красной Армии.
Вот тогда в харьковском театре и началась работа над опереттой "Свадьба в Малиновке", основанной на событиях, происходивших в годы Гражданской войны на Украине. Создателями её были украинские авторы – драматург Леонид Юхвид и композитор Алексей Рябов. Теперь уже трудно сказать, почему с набросками своей пьесы Леонид Юхвид появился и в Москве у Григория Ярона, основателя и художественного руководителя Московского театра оперетты – скорей всего, там были проблемы с авторами, а на их поиски времени уже не оставалось. В своих мемуарах Ярон позднее писал, что ему понравились отрывки из пьесы Юхвида, которые автор читал ему на украинском языке, прерывая чтение эмоциональным живым рассказом о перипетиях сюжета. В них он сразу почувствовал "настоящее зерно будущего спектакля".
Текст украинской пьесы нужно было перевести на русский язык, и к этой работе был сразу же привлечён драматург-либреттист Виктор Типот, который успешно сотрудничал с Московской опереттой. В действительности же получилось, что он стал не только переводчиком, но и соавтором русского варианта пьесы, в которую были внесены существенные изменения. Какие именно, теперь уже точно сказать невозможно, но понятно, что делались они с целью адаптации украинского текста под восприятие московской публики: многие самобытные и интересные именно для украинского зрителя фрагменты удалялись, а вместо них вписывались всем понятные сцены и диалоги, но уже лишённые истинного украинского колорита.
А с музыкой к этой оперетте произошла вообще большая неожиданность: существует мнение, что партитуру Рябова в Москве также сочли излишне самобытной и к работе над произведением срочно привлекли Бориса Александрова, который к данному жанру вообще никакого отношения не имел, но зато был известен как автор патриотических песен (начал свою карьеру в Ансамбле песни и пляски Советской Армии, созданном его отцом, Александром Александровым, а потом продолжил в Центральном театре Красной Армии).
В результате к означенной дате в харьковском и московском театрах состоялись премьеры двух разных оперетт на музыку разных композиторов, но с одним и тем же названием. Сюжетная канва и персонажи у них тоже были одни и те же, но понятно, что по духу и смысловому наполнению, не говоря уже о характере постановки, это были разные спектакли. И оба имели очень большой успех. Харьковская версия "Свадьбы в Малиновке" вскоре была поставлена и в других городах Украины, а московская начала своё триумфальное шествие практически по всем театрам страны и именно от неё ведётся отсчёт создания этого произведения.
Московскую версию ставил сам Ярон, он же являлся и непревзойдённым исполнителем роли Попандопуло. Обладатель бурной творческой фантазии, виртуозно владевший приёмами гротеска, эксцентрики и буффонады, Григорий Ярон создал в этом спектакле настолько яркий и запоминающийся образ, что был даже увековечен в нём после своей смерти: на надгробном памятнике великий артист изображён в четырёх своих самых значимых театральных образах, один из которых – Попандопуло; а в 1993 году к 100-летию со дня рождения Григория Марковича была выпущена юбилейная открытка и марка, где он также предстаёт в образе Попандопуло.
Самую широкую, поистине общенародную известность, "Свадьба в Малиновке" обрела через 30 лет после своего создания, когда в 1967 году на "Ленфильме" была осуществлена её экранизация – теперь уже приуроченная к 50-летию Октября. И это было связано с очередной трансформацией оперетты – её переделывали и приспосабливали под требования кинематографа, а жанр фильма определили как музыкальную комедию. После чего и театральные постановки "Свадьбы в Малиновке" стали чаще всего называть музыкальными комедиями. И это больше соответствовало жанровому решению этого произведения: ведь даже изначально оно больше напоминало народную музыкальную комедию с песнями и танцами, чем оперетту, и в нём, по существу, не было действенных музыкальных сцен, присущих музыкальной драматургии оперетты.
Так какие же новые черты приобрела "Свадьба в Малиновке" в результате экранизации? Об этом в своих записях рассказывает режиссёр фильма Андрей Тутышкин: "Драматург Леонид Юхвид написал киносценарий. Композитор Борис Александров заново пересмотрел партитуру. Одни музыкальные номера были исключены, другие специально написаны для фильма. Вот пример. В пьесе есть известный персонаж – Попандопуло. В Московском театре оперетты его играл когда-то народный артист РСФСР Григорий Ярон. Это была одна из его знаменитых ролей. Ленинградский актер, народный артист РСФСР Николай Янет сыграл Попандопуло около 800 раз. Но ни Ярон, ни Янет не исполняли в спектакле песенок и куплетов. В нашем же фильме Попандопуло по ходу действия поет и танцует. Автор сценария и композитор написали музыкальные номера в духе одесских песенок 20-х годов, которые великолепно исполняет народный артист УССР Михаил Водяной, играющий роль Попандопуло".
Вот здесь и кроется ответ на вопрос, почему "Свадьба в Малиновке", которую мы знаем, обрела такой одесский колорит, хотя, если отталкиваться от первоначального варианта пьесы и музыки, его там быть не могло. Драматург описывал события, происходивщие не где-то под Одессой, а в украинском селе, находящемся на территории Таврической губернии, то есть к северу от Крымского полуострова, примерно в той части нынешней Херсонской области, которую и сегодня называют Северной Таврией. Об этом свидетельствует и "титул" главаря так называемой банды – пан атаман Грициан Таврический, и в какой-то мере даже "ник" его адъютанта – Попандопуло (распространённый тип греческих фамилий, обладателями которых были переселенцы, обосновавшиеся в тех местах).
Леонид Юхвид хорошо знал, о чём писал: он пережил мальчишкой Гражданскую войну именно в тех местах – был родом из махновской столицы, города Гуляйполе Екатеринославской губернии, граничащей с Таврической губернией. И даже в том виде, в котором его пьеса дошла до нас (а ведь кроме крупных переделок каждый режиссёр привносил в текст что-то своё), в ней сохранились некоторые диалоги и реплики, свидетельствующие о реальных событиях тех дней, происходивших именно в тех местах. Например, в премьерном спектакле (речь о котором пойдёт чуть ниже) есть мизансцена, когда командир красноармейцев допрашивает пойманного штабс-капитана Чечеля, уполномоченного барона Врангеля. И если немного углубиться в историческую литературу, то можно убедиться, что именно осенью 1920 года (когда и происходили описываемые в пьесе события) в центре Северной Таврии находилась подчинённая непосредственно Врангелю ударная группа, против которой и велась наступательная операция войск Красной Армии. И Чечель – не выдуманный персонаж, а реальный политический и военный деятель, один из руководителей Украинской партии эсеров, находившийся определённое время в эмиграции в Вене. Поэтому красный командир и бросает ему реплику: “Вы всё больше по столицам да по заграницам…”, которую зритель просто пропускает мимо ушей. А случайно оставшиеся в либретто слова об отце Чечеля, которого лично знал этот самый красный командир, теперь уже лучше было бы вообще убрать, потому что нынешнему зрителю они уж точно ни о чём не говорят и никак не влияют на развитие сюжета.
Но прежде чем приступить к анализу недавней премьеры, следует вспомнить, что “Свадьба в Малиновке” впервые была поставлена в 1975 году в тогда ещё молодом Театре музыкальной комедии БССР известным украинским режиссёром Александром Барсегяном. Учитывая героико-патриотическую направленность этого произведения, его постановку приурочили к 30-летию Победы в Великой Отечественной войне. Кстати, именно с этого спектакля и началось знакомство автора этих строк с Театром музкомедии. Вот если бы теперь можно было взглянуть на ту постановку с высоты накопленного и зрительского, и аналитического опыта… А если говорить об общем давнем впечатлении рядового зрителя, то тогда сразу бросилось в глаза оформление спектакля: на заднем плане сцены хорошо просматривалось изображение красной конницы, летящей через пламя войны, и на фоне походной песни звучали пафосные слова о роли Красной Армии в освобождении народа. Никаких других элементов сценографии не запомнилось, возможно, они были условно-символическими. (Тогда театр ещё не имел своего помещения и его спектакли шли на разных сценических площадках города, например, “Свадьба в Малиновке”– на сцене Дворца культуры железнодорожников, не очень приспособленной для театральных постановок.) Запомнились также хорошо поставленные танцы, особенно один из них, красноармейский – как указано в сохранившейся програмке, это хореографическая сценка “Атака”. Тогда танцевальные номера исполняли только артисты балета и ни хор, ни солисты в них задействованы не были. В целом спектакль был выдержан в духе советской опереточной стилистики: у солистов свои актёрские задачи, у хора и балета – свои. Но на его восприятие, пожалуй, всё же влияла магия фильма, где всё ясно и понятно, а в театральной условности ещё нужно было разбираться… Поэтому персонажи спектакля не показались столь яркими и не так запомнились, как герои фильма.
Вообще после экранизации “Свадьбы в Малиновке” произошла интересная вещь: все нововведения из фильма перекочевали в театральные постановки, в том числе, конечно же, и музыкальные номера. Теперь даже невозможно представить, чтобы такой персонаж, как Попандопуло, вдруг лишился бы своих песенок и куплетов. И у многих складывается впечатление, что это герои фильма перешли на театральную сцену, а не наоборот.
По сути, первая минская постановка и нынешняя основаны на одном и том же либретто и на одном и том же музыкальном материале, и персонажи у них, естественно, одни и те же. Но хотя их и объединяют свойства фундаментального характера, это два совершенно разных спектакля. Времена меняются. И даже классическую оперетту сегодня невозможно поставить в той же стилистике с использованием тех же постановочных приёмов, что и 40 лет назад. А в данном спектакле на новый принцип постановки накладывается ещё и своеобразная ответственность за былые идеологические каноны. Полностью разделять или полностью игнорировать их невозможно. Уже давно нет Красной Армии, как нет и её преемственницы Советской Армии, нет также и Страны Советов, за которую они сражались. Но есть память поколений, в которой те события остаются овеянными ореолом славы и героизма. Так что случайно или нет, но премьера “Свадьбы в Малиновке” состоялась в памятную для некогда нашей общей страны дату – 7 ноября.
Постановщик спектакля главный режиссёр Музыкального театра Михаил Ковальчик рассуждает так: “Мы находим в этом произведении, как сказал один известный режиссёр, мысли, нужные современности. Берём кусочек нашей общей истории, когда всё рассматривалось однозначно: красные – хорошие и правильные, а белые – плохие и неправильные, и переосмысливаем его с позиций сегодняшнего дня. И те, и другие – это наши люди. В каждой из противоборствующих сторон были такие, которые искренне боролись за свои убеждения, но были и такие, которые с их помощью старались придти к власти. И наш спектакль – о жизни простого человека, страдающего от этой борьбы. История всегда поучительна. И разве сегодня эта тема не актуальна? Разве сегодня из-за стремления к власти одних не гибнут другие?.. Однако в нашей постановке нет никакой политики и никакой идеологии. Мы просто старались показать, что даже в условиях войны, невзирая на бедствия и угрозу жизни, люди не переставали жить и любить. И в финале у нас разыгрывается уже не хитроумно придуманная, а настоящая свадьба. Литературно-музыкальный материал этого произведения, построенного на остром сюжете и комедийных ситуациях, даёт нам возможность показать целую галерею ярких самобытных образов и бесподобных характеров, что больше всего и привлекает зрителя в этой постановке”.
Через весь спектакль, развиваясь и взаимодействуя, проходят три основные линии: героико-патриотическая (на которую при создании оперетты делался упор), лирическая и комедийная (состоящая из юмористической и сатирической частей). Так что литературная основа “Свадьбы в Малиновке” в драматургическом плане не так уж и проста (что позволяет ставить её и в драматических театрах). Чего не скажешь о музыкальной драматургии этого произведения, которой, по большому счёту, здесь и нет (если убрать текст, то останется определённый набор небольших музыкальных композиций или проще сказать песен). В отличие от украинского композитора Алексея Рябова, который специализировался на опереттах и которого даже обвиняли в “кальмановщине”, Борис Александров до “Свадьбы в Малиновке” вообще не имел никакого опыта сотрудничества с музыкальным театром. Он был автором песен военно-патриотического содержания (что тогда и обусловило выбор его кандидатуры), поэтому героико-патриотическая линия в созданной им оперетте получилась самой выразительной, но при этом не бравурной, а романтически приподнятой. И лирическая линия у него получилась замечательной, наполненной распевными песнями, близкими и к народной мелодике, и к фольклорной поэтике. А вот в комедийной линии, точнее, в её сатирической части, которую в данной постановке расширили за счёт так называемых бандитских выходов, не хватало музыкального материала для этих самых бандитов. Его и дописал белорусский композитор Олег Ходоско, который совместно с дирижёром-постановщиком Николаем Макаревичем сделал и аранжировку всего произведения.
Начинается спектакль, как и фильм, с лирико-бытовых картин, где сразу заявляет о себе молодая лирическая пара – Яринка и Андрейка, которые, невзирая на то, что идёт война и власть в селе меняется чуть ли не каждый день, решили пожениться. На эти роли были назначены заведомо молодые артисты, имеющие небольшой сценический опыт, но подающие большие надежды. Для Ольги Железской это всего лишь вторая работа в театре, а первой была поистине королевская роль – Софьи Гольшанской в одноимённом мюзикле Владимира Кондрусевича. По сравнению со сложной вокальной партией Софьи песни и дуэты Яринки сложными никак не назовёшь, и по драматургической наполненности роль Софьи несопоставима с ролью Яринки, но при этом всё равно нельзя не отметить, что молодая вокалистка значительно выросла в артистическом плане и особенно заметны её успехи в хореографической подготовке (наиболее сложными и неожиданными в жанровом отношении оказались её танцевальные номера во время мнимой свадьбы). А Николай Русецкий в роли Андрейки предстал очень непосредственным и прямодушным, покорив зрителей трогательной проникновенностью своего тенора, полного ярких лирических красок. В целом наиболее органичными молодые исполнители были именно в музыкальных номерах. В этих же ролях предстают также опытные артисты Наталья Глух и Сергей Спруть. Так что у публики есть выбор: или идти на уже известных ей исполнителей, или удовлетворить свой зрительский интерес в отношении начинающих.
 Интересный факт: Роль Яринки в постановке 1975 года исполняла Заслуженная артистка Республики Беларусь Валентина Петлицкая – это была её первая работа в театре. Теперь же она является ассистентом режиссёра нынешней постановки. А роль Андрейки исполнял Заслуженный артист Республики Беларусь Василий Сердюков – единственный из того первого состава актёров, кто занят и в новой постановке (сейчас, конечно, уже в другой роли, о чём будет сказано ниже). Более того, Василий Сердюков входил и в ту кагорту актёров, которые стояли у самых истоков создания театра в 1970 году. Теперь ветеранов сцены здесь осталось двое – он и Наталья Гайда.
Лирическая линия в спектакле усиливается лирико-драматической, развитие которой начинается от образа Софьи – матери Яринки, уже 15 лет ждущей сосланного в Сибирь мужа-революционера, – и расширяется с его появлением, теперь уже в лице красного командира. (Из-за того, что труппа в последние годы сильно помолодела, в ней ещё больше стал проявляться уже давно существующий возрастной дисбаланс, поэтому на возрастные роли назначаются артисты среднего поколения, а то и вовсе молодые, которые гримируются до неузнаваемости.) И сейчас в роли Софьи предстала Заслуженная артистка Республики Беларусь Маргарита Александрович, которую зритель всё же привык видеть в образе молодых героинь, а также Лидия Кузьмицкая, которой тоже ещё рано выступать в возрастных ролях. Однако Кузьмицкая уже во второй раз выходит на сцену в образе матери (первый раз это было в мюзикле "Шалом алейхем! Мир вам, люди!" Олега Ходоско) и выглядит при этом очень даже убедительно. В этом спектакле образ Софьи в основном раскрывается музыкальными средствами, и артистке удалось показать внутренний мир своей героини – проникновенно звучит её лирико-драматический рассказ о женской доле, мягко и задушевно дуэт с Яринкой и песня с хором.
В привычном амплуа героя предстал Заслуженный артист Республики Беларусь Антон Заянчковский, который исполняет роль красного командира Назара Думы. Как выясняется по ходу действия – он и есть муж Софьи и отец Яринки. Этот персонаж удивительным образом соединяет в спектакле лирическую, а точнее лирико-драматическую линию с героико-патриотической. Даже не совсем понятно, как авторам удалось здесь представить образ красного командира, также как и коллективный портрет красноармейцев, без пафосных и ура-патриотических настроений. Ни в их диалогах, ни в музыкальных номерах ничего этого нет. А ведь по логике вещей походной песней красноармейцев должна была стать какая-нибудь композиция в духе "Кавалерийской будёновской" того же Александрова, а не народная песня "Ой при лужку, при лужке…", которую композитор использовал в этих целях. И в каждой сцене при появлении красноармейцев лейтмотивом звучит именно эта, пусть и обработанная, но народная песня, а не специально написанный марш. Или взять сцену на привале: командир в задушевной беседе со своим заместителем говорит, что он из здешних мест и что ранее у него здесь были жена и маленькая дочь, о которых он до сих пор ничего не знает, и вслед за этим поёт грустную, тоже в народном духе песню "Вырос, вырос в поле чистом дуб высокий и ветвистый…" А далее по ходу действия, уже появившись в селе, он будет петь солдатскую балладу "Широкая степь от пожаров дымится…"
Из коллективного портрета красноармейцев больше всех выделяется этот самый заместитель командира – Петря Бессарабец. В кинофильме в этой роли снялся Николай Сличенко. Логичным было ожидать, раз сниматься пригласили певца, то в фильме он будет прежде всего петь. И режиссёр Андрей Тутышкин в своих воспоминаниях указывал, что в числе новых музыкальных номеров авторами написан дуэт Яринки и Петри. Но это оказался не дуэт в том смысле, когда у каждого вокалиста своя партия, а обыкновенная песня куплетной формы "Здесь никто, никто моих не услышит жалоб…", которую поёт Яринка, а Петря ей вторит. То есть, у Сличенко не оказалось ни одного сольного номера, но со своей цыганско-молдаванской манерой исполнения он всё равно запомнился, солируя в ансамблях. Тот же музыкальный материал используется и в спектакле, где роль Петри исполняет Евгений Ермаков, и очень жаль, что его насыщенный, яркого тембра тенор звучит со сцены так же недолго. Однако у Ермакова есть запоминающиеся разговорные сцены, пусть и небольшие, но позволяющие раскрыть разные грани его персонажа: Петря выглядит и толковым командиром, и остроумным шутником, и увлекающейся натурой.
В общем, все красноармейцы в спектакле предстают не столько воинственными, сколько внушающими доверие, романтически приподнятыми, а в определённых ситуациях даже лиричными. Короче, обыкновенные хлопцы, только в форме. И как-то опосредованно проводится мысль, что армия не какая-то структура, существующая отдельно от народа, а что она по сути своей – народная. И это единение органично отражено в массовых сценах, когда отряд входит в село.
С массовых народных сцен собственно и начинается комедийная линия в спектакле, где авторы не пожалели красок: здесь и колоритный народный язык с характерными речевыми оборотами, и сочный народный юмор, и целая портретная галерея его носителей. Например, дед Нечипор, который, надев будёновку, управляет в селе всеми делами от имени советской власти, вершит суд над сельчанками, но главное, разводит целую семейно-бытовую философию со своей Гапусей, останавливая её скоростной речевой поток своим излюбленным "Не спеши!.." И эта фраза является для деда ключевой в любой ситуации, когда он не разделяет чьё-то мнение. Единственным исполнителем этой роли является Заслуженный артист России Алексей Кузьмин, который уже более 30-ти лет работает в нашем театре и в последнее время является незаменимым исполнителем возрастных характерных ролей. А вот в образе Гапуси предстали две солистки, которым ещё далеко до возрастных ролей (не особенно помогают им и характерный грим, и подкладные толщинки в костюмах). Но при всём при этом Екатерина Дегтярёва, обычно выступающая в амплуа характерных персонажей, была предсказуема для этой роли, чего нельзя было сказать про Лесю Лют, которую привыкли видеть в образе молодых лирических героинь, – так что неожиданной сменой амплуа она многих приятно удивила. Хорошо, что в театре есть артистки старшего поколения Ирина Заянчковская и Людмила Станевич, которые в массовых народных сценах были просто незаменимы – это их героини, которые то враждуют, то мирятся, задают тон всему женскому гарнизону Малиновки.
А командует этим гарнизоном, как известно, Яшка-артиллерист, который неожиданно, но так кстати появился в селе. Шёл он себе спокойненько полтора года из австрийского плена обутым, а на подходах к родному селу какой-то бандит снял с него сапоги. И Яшка при первом подвернувшемся случае решил восполнить потерю: "Дед, скидай сапоги! Не то раз – и вдрызг!" – угрожая винтовкой, беззлобно "обратился" он к попавшемуся по дороге деду Нечипору. Так они и познакомились. Но вскоре выяснилось, что и винтовка не заряжена, и что Яшка родом из соседней Янковки, которую сожгли врангелевцы, и что идти ему теперь некуда. Так и остался Яшка в Малиновке. Но наотрез отказался быть помощником деда Нечипора, потому что слаб здоровьем для такой работы. А вот начальником гарнизона – как раз то, что надо. А по совместительству, чтобы не обидеть деда, согласился быть писарчуком.
По кинофильму все помнят в роли Яшки Михаила Пуговкина. И образ очень яркий, и актёр очень талантливый, так что стереотип этой роли остался очень сильным. Вот только спектакль – не кино, и на сцене актёр виден как на ладони, а не так, как покажет его объектив кинокамеры. Денис Немцов в роли Яшки-артиллериста оказался одновременно и таким, и не таким, как в фильме. Перипетии сюжета, разговорные сцены и музыкальные номера в фильме и спектакле практически одни и те же. Но если киноактёр может "как будто петь и как будто танцевать", оставаясь при этом убедительным, то театральный актёр должен действительно и петь, и танцевать – в этом и заключается его профессионализм. Так что в плане вокала, хореографии, актёрской техники Денис Немцов, конечно, совсем иной исполнитель этой роли. Его Яшка также танцует с Гапусей "в ту степь" – но это один из сильнейших номеров спектакля, при этом он ещё и бьёт настоящий степ. И с Комарихой у Яшки те же романтические отношения: он ей про чернявую гаубицу и трёхдюймовые глазки, а она ему – пирожки со смаком… А их музыкальный номер, начинающийся с "Эх, отшагал я по земле чужой…" и заканчивающийся "Знать, суждено любить и нам", хоть и юмористический по своей сути, но весь пронизан лиризмом. Суметь показать жизненную правду в, казалось бы, несерьёзной форме – это уже более высокий, драматический уровень игры, который проявляется в комедии пусть не явно, но ощутимо. В разных составах партнёршами Немцова являются Наталья Дементьева и Алла Лукашевич, и каждой из них по-своему удаётся показать бесхитростное простодушие своей героини в её стремлении проявить свою женскую суть.
Но особенную остроту комедийная линия приобретает в так называемых бандитских сценах, превращаясь в откровенную сатиру с применением целого арсенала комических средств: гиперболы, гротеска, пародии и других. По сюжету пьесы отряд красноармейцев борется с бандой атамана Грициана Таврического, которую в результате хитроумного плана удаётся легко взять во время мнимой свадьбы.
Действительно, в Гражданскую войну кроме различных формирований белых в окрестных сёлах орудовали и всевозможные банды, принося населению ещё больший урон и разорение. Но создаётся впечатление, что автор пьесы описывал не тривиальных бандитов, а скорей всего махновцев, которых хорошо знал, сознательно маскируя их под бандитов. Ведь, как уже указывалось, драматург был родом из Гуляйполя, а это также родной город Нестора Махно – главнокомандующего Революционной повстанческой армией Украины, где в годы Гражданской войны располагался центр повстанческого движения.
В пользу того, что Грициан не был бандитом с большой дороги, говорит и его "титул" – пан атаман, и сохранившиеся в либретто реплики: "Как же можно без программы? Я же атаман идейный. И все мои ребята, как один, стоят за свободную личность". То есть Грициан со "своими ребятами" был анархистом – как и Махно. И выступал за независимость Украины, потому и стремился "утворить в волости самостийную державу", о чём и заявил жителям Малиновки. Скорей всего драматург не списывал образ Грициана с какого-то конкретного атамана, а просто писал о тех, кого хорошо знал. Но называть махновцами их не стал (хоть они и не выступали против Советской власти и вместе с Красной Армией боролись против войск Деникина). Но зато выступали за самостийную Украину, а этого было достаточно, чтобы к 20-летию Октября о них не упоминать.
Итак, в пьесе стали фигурировать бандиты. Но почему-то их никто не боялся. И ничего плохого жителям Малиновки они не сделали. А со вторым лицом банды – адъютантом самого атамана – легко справилась беззащитная Яринка: "Я его как огрею граблями по спине – бац! Пополам!" И травмированный адъютант в погоне за Яринкой, зацепившись ремнём портупеи за плетень, там её и оставил вместе с оружием, чтобы легче было бежать… Но девушка благополучно скрылась. Эти кадры из фильма помнит каждый, кто хоть однажды его видел. А чего стоит один только вид Попандопуло – ну форменный клоун, весь обвешанный оружием. А назвать бандитами всех остальных участников этой команды просто язык не поворачивается – будет слишком громко сказано. Это сборище таких же клоунов – вспомнить хотя бы их вид и поведение на свадьбе или делёж награбленного… В общем, если эти бандиты и могли совершать какие-то налёты, то только на домашнюю живность и на содержимое женских сундуков.
 Почему автор представил их такими? Вероятно потому, что показать сколько-нибудь положительными тех, кто выступал против новой власти, было невозможно. А рисовать их чёрной краской он не хотел. Потому и подал их всех в заведомо пародийной форме. Одного лишь атамана пощадил – оставил в нём нормальные человеческие черты. Цензоры не обратили на это внимания, как и не задумались над тем, что вступать красноармейцам в серьёзную борьбу с таким сборищем – себя не уважать.
Однако в спектакле бандиты выглядят всё же посолиднее – уже не столько клоуны, сколько приблатнённые фрайера, внешне смахивающие на одесских налётчиков. И появляются они на сцене с шиком и форсом – выезжают на авто! А пан атаман вообще крутой – весь разодетый, в папахе, в парчовой черкеске и в украинской вышиванке. С гиком и свистом размахивает саблей – не столько что б кого-то застращать, а чтоб себя показать. В этой роли очень интересно выглядит Виктор Циркунович – его Грициан самоуверенный и немного циничный, но можно сказать, не вредный. И можно даже предположить, что немного влюблён в Яринку – говорит, что весь иссох по ней… Благодаря новому музыкальному материалу, у этого персонажа интересные, свежие вокальные и танцевальные номера, особенно танец на свадьбе, и Циркунович так лихо его исполняет. В этой же роли предстаёт и молодой артист Артём Хомичёнок, которому не так просто было перейти с амплуа героя на такой характерный образ. Но зрители в это особенно не вникают, им интересны оба исполнителя: и Циркунович, и Хомичёнок – обладатели прекрасных баритонов, так что разочарован не будет никто.
А вот образ Попандопуло по сути своей не изменился. Он такой же, каким его исполнял Михаил Водяной и каким ожидали увидеть зрители (но, как и в случае с образом Яшки-артиллериста, с учётом эффекта сцены). Видимо, это тот случай, когда не грех пойти на поводу у публики, но при этом, не отказываясь ни от чего до боли знакомого, привнести в образ что-то свежее. И особенно интересно то, что два исполнителя этой роли показывают, с одной стороны, одного и того же Попандопуло, а с другой – пользуются при этом чуть ли не противоположными средствами выразительности. Так, Александр Осипец играет эту роль как драматический актёр – поющий и танцующий, но драматический (каковым он и является). А Дмитрий Якубович – как мюзикловый актёр, где превалирует техничность (его Попандопуло даже садится на шпагат).
И ещё один персонаж остался похожим на своих клоуноподобных собратьев из фильма – это Гречкосий (в фильме он – бандит Сметана, тот, с которым Попандопуло делит добро). В спектакле же Попандопуло и Гречкосий почти неразлучны – они вместе по приказу атамана пытаются разыскать Яринку, вместе угрожают каким-то бутафорским оружием её матери, вместе гуляют на свадьбе и вместе "честно" делят награбленное Гречкосием добро, в результате чего ему достаётся только чепчик. В этой комической роли и предстал Василий Сердюков, притом он является её единственным исполнителем. Других возрастных актёров в театре просто нет.
При всём обилии ярких образов, это всё же ансамблевый спектакль, где системообразующую роль выполняют массовые сцены, в которых заняты артисты хора. Например, они и красноармейцы, и бандиты – только успевай переодеваться и гримироваться, чтобы тебя не узнали. Как говорит хормейстер-постановщик Светлана Петрова, хоровые партии тех и других здесь не сложные, артистам сложнее перевоплощаться из одного образа в другой, притом делать это нужно быстро, попутно решая ещё и разнообразные актёрские задачи. К тому же им приходится ещё и танцевать. Поэтому нельзя не отметить, что все хоровые фрагменты отличаются очень хорошим ансамблем.
Внимательный зритель мог обратить внимание и на новую стилистику хореографических номеров, которую привнесла в спектакль приглашённый из Екатеринбурга балетмейстер-постановщик Наталья Москвичёва. В спектакле танцуют все, и артисты балета, и артисты хора, и солисты-вокалисты. Но особенно интересными получились танцы на свадьбе, а также бандитские выходы с их оригинальной, даже какой-то стильной пластикой.
Свою лепту в восприятие спектакля вносит и его оформление. Художник-постановщик Андрей Меренков сделал стилизованную под народный лубок сценографию с характерными украинскими мотивами. И непременный символ украинского села – подсолнух, здесь даже несёт определённую смысловую нагрузку. Костюмы персонажей отличаются интересной детализацией и точным попаданием в образ, притом без чрезмерного подчёркивания их основных характерных признаков.
А раз в спектакле всё так органично совпало и совместилось, значит, это заслуга его режиссёра-постановщика.
Зоя ЛЫСЕНКО
Нёман №1. - 2016. - январь
|
